Однако и умения работать с графическими редакторами тоже недостаточно. Простой исполнитель, владеющий навыками векторных и растровых редакторов, может технически грамотно выполнить любое проектное задание, но самостоятельно разработать выразительные и запоминающиеся образы он не сможет. Для креативного дизайнера крайне важно уметь придумывать и визуализировать идеи, то есть воплощать их как в рукотворном варианте, так и средствами компьютерных технологий, которые, кстати, тоже требуют владения навыками ручной графики. Умение грамотно составить эскиз на основе определенного замысла, продумать цветовое и тоновое решение и переработать его на основе обобщения и упрощения, доступного целевой аудитории, является одним из важнейших фантазийных творческих процессов в дизайне.
Именно поэтому в учебные программы направлений, обучающих графическому и коммуникативному дизайну, включен курс декоративной композиции. Стержневой задачей декоративной композиции является развитие креативной основы мышления, позволяющей образно передать смысловые, духовные и физические свойства материала и придать ему художественную форму и эмоционально-декоративный эффект.
Важнейший организующий компонент декоративной композиции – это архитектоничность, то есть создание единства и цельности за счет визуального соподчинения элементов и деталей друг другу и целому [3, 4]. В отличие от станкового изображения, декоративная композиция – это особый художественный мир со своим порядком и условностью изображения, нарядностью, красочностью и орнаментальностью, привлекающий своей недосказанностью, ассоциативностью условно-образного решения темы.
Основным методом создания декоративной композиции является интерпретация и трансформация реальных образов в условные символы и знаки этих объектов. Специфическое плоскостно-декоративное и образно-ассоциативное решение предметов реального мира заставляет учитывать художественные свойства материалов, технологические приемы его обработки и прикладной характер изделия, что в совокупности определяет художественные достоинства результата дизайнерского творчества [3, с.251].
Стилизация реальных предметов в дизайне достигается с помощью условных приемов изменения формы путем обобщения и выявления главных особенностей и упрощения второстепенных признаков и качеств предметов. Немаловажное значение имеет решение объемных и цветовых отношений и яркое выражение внешнего сходства с использованием гротеска. Основные черты стилизации – это простота форм, символичность, эксцентричность, абстрактность, красочность и чувственность. Эмоционально-чувственное представление о назначении, смысле и качестве изображаемых объектов являет художественный образ в дизайнерском искусстве.
Развитие композиционного чутья, умения рождать креативные оригинальные идеи и создавать творческие дизайн-проекты возможно лишь при наличии профессионального мышления. Необходимо научиться мыслить и действовать творчески, так как творчество – это все-таки не талант, а модель поведения [2, с.238]. Для развития творческого потенциала студентов необходимо на занятиях по декоративной композиции применять эффективные средства, такие как метод ассоциаций, метод аналогий, метод мозгового штурма и практический метод.
Метод ассоциаций предполагает развитие ярко-образного ассоциативного мышления дизайнера и проявляется в умении преобразовывать реалистические объекты в абстрактные и психологические ассоциации. Метод аналогий – это интерпретация предмета средствами трансформаций в проектное решение, иногда имеющее не визуальные признаки, а один из способов создания вещи. Метод мозгового штурма помогает оптимизировать ассоциации и аналогии и позволяет найти наиболее эффективную идею. Практический метод основывается на выполнении работы под руководством преподавателя и является основным в процессе развития креативного мышления у студентов-дизайнеров. Длительная изобразительная практика в курсе "Декоративная композиция" способствует формированию профессионального мышления дизайнеров, концепция креативности которых определяется наличием интеллекта, базовых знаний, позволяющих выйти за пределы стереотипов стилем мышления и окружающей творческой средой.
Для развития творческого начала, изобретательности и оригинальности мышления у будущего дизайнера необходимо на занятиях по декоративной композиции обучать студентов самостоятельному решению многоступенчатых заданий с опорой на накопленные навыки выполнения подобных задач. Необходимо выработать у них умение находить новизну и оригинальность композиционного решения, обусловленного специфичностью декоративной композиции. Таким образом, курс декоративной композиции обеспечит формирование профессионального дизайнера, обладающего высокими художественными способностями в сочетании с гармоничным развитием, необходимым для успешной профессиональной деятельности.
Список литературы:
1. Березин И. Методы оценки стоимости бренда / Общее понятие рекламного креатива. [Электронный ресурс]. Режим доступа: http://business.Peterlite.ru/business012006/pr-profil-008.htm.
2. Буранок Д. Д. Анализ готовности будущих дизайнеров к художественно-проектной деятельности. Поволжская государственная социально-гуманитарная академия. 2013. С. 236–239.
3. Даглдиян К. Декоративная композиция. Ростов-на-Дону, изд-во "Феникс", 2010. С. 315.
4. Григорян Е. А. Основы композиции в прикладной графике. Ереван, 1986. С. 32.
5. Матвеева Т. В. Формирование профессиональной культуры дизайнера в образовательном процессе вуза средствами композиции. Известия Российского государственного педагогического университета им. А. И. Герцена. Выпуск № 37, том 14. 2007. С. 277–281.
6. Разработка технологии рекламного продукта / под ред. доктора философских наук, профессора Л. М. Дмитриевой. Изд-во "Экономист", 2006. С. 639.
Интерпретация произведений искусства в учебных практических работах студентов художественных факультетов как один из аспектов освоения профессии
Слово "копия" в переводе с латинского (copia) буквально означает "множество" – предмет, создаваемый с целью повторения, подражания или замены другого предмета, выступающего по отношению к копии подлинником (оригиналом). Большая советская энциклопедия определяет этот термин как "точный список, точное воспроизведение, повторение чего-либо" [3, c. 628].
Копии как воспроизведение выдающихся произведений искусства могут считаться памятниками истории и культуры и включаться в качестве экспонатов в основной фонд музея.
Копия картины, по определению современных искусствоведов, – это самостоятельный и особый жанр живописи. Он в некотором смысле объединяет классические жанры: тематическую картину, портрет, обнаженную модель, пейзаж, натюрморт, оставаясь при этом вполне самостоятельным. Особенность этого жанра в том, что любой коллекционер или любитель искусства может приобщиться к творениям великих мастеров живописи [1]. Подлинники картин этих художников уже давно принадлежат музеям или частным коллекциям. Мировой арт-рынок определил высочайший уровень цен на шедевры живописи. Картины Рафаэля, Тициана, Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Вермеера, Пуссена, Энгра, Коро, Ренуара, Сезанна, Ван Гога, Климта, Пикассо и многих других стоят десятки миллионов долларов, что делает их доступными лишь очень узкому кругу лиц. Не сильно уступают им в цене и мастера Салона, произведения которых менее известны, а часто крайне редки. Однако эстетическая красота и высокое мастерство исполнения всегда делали их объектом большого интереса.
Величайший пример демократичности и популярности принадлежит шотландскому художнику Джеку Веттриано, копии картин которого по объёму продаж конкурируют с копиями работ самых известных мировых художников прошлого. Объемы продаж, например, репродукций "Поющего дворецкого" обгоняют в Англии даже "Подсолнухи" Ван Гога. Почти во всех книжных магазинах и магазинах изопродукции Европы и Америки успешно продаются разнообразные постеры, плакаты, открытки, календари, блокноты, кружки и другие товары с репродукциями картин Дж. Веттриано.
Поэтому создание современных копий шедевров прошлого нужно для того, чтобы сделать их доступными для приобретения максимально возможным количеством коллекционеров и любителей живописи.
По мнению И. Жаркова, С. Бушкова, М. Шиленкова, все копии картин можно разделить на три группы: аутентичные, вольные и компилятивные [4].
Аутентичными считаются копии, выполненные непосредственно с подлинника. Их цель – максимально точное приближение к оригиналу. Такие копии ни в коем случае не являются подделками, поскольку делаются с коррекцией размеров оригинала в сторону как уменьшения, так и увеличения. Стоимость этих копий очень высока. Примером аутентичных копий может служить копия Марка Шиленкова с подлинника Б. Э. Мурильо "Мальчик с собакой" (1650-е гг.), выполнена в зале Государственного Эрмитажа, Санкт-Петербург; с подлинника А. Г. Варнека "Портрет гравера Н. И. Уткина" (1803 г.), выполнена в музее НИИ Академии художеств, Санкт-Петербург [4].
Вольные копии – основной и доступный вид современных копий. Выполняются с репродукций, качество которых всегда значительно уступает подлиннику. Поэтому художник, выполняющий такую копию, создает творческую интерпретацию оригинала, сродни литературному переводу, создает, по существу, самостоятельное произведение. Копиист видит главную задачу вольной копии в передаче духа подлинника, выраженного в стиле великого мастера. Стиль складывается из присущих только этому мастеру цветовых и тональных отношений, фактуры живописи и холста, индивидуальной трактовки формы и пластики, характера касаний, темперамента живописной манеры. Копирующий художник должен вжиться в стиль мастера, прочитать его.
Художник, пишущий копию, в известном смысле актер, играющий характерную роль и заставляющий зрителя поверить , что он, к примеру, Юлий Цезарь или Иван Грозный, Гамлет или Дон-Кихот. Точно так же зритель живописной копии должен поверить, что перед ним картина Рубенса, а не Рафаэля, картина Рембрандта, а не Энгра. Непонимание этой задачи заказчиком приводит к неадекватному результату: заказчик получает не живопись, скажем, Рубенса, а плохую имитацию либо вообще картинку, в которой с трудом можно узнать великое произведение. Отсюда заниженная финансовая оценка такой копии и небольшой ресурс времени на выполнение, который заказчик готов предоставить художнику.
Так, М. Шиленков выполнил около 50 вольных копий мастеров различных эпох, от миниатюрного до монументального формата. Среди них Рубенс, Тьеполо, Лоррен, Буше, Давид, Менцель, Ренуар, Альма-Тадема, Бугро, Серов и многие другие [4].
Компилятивные копии – это разновидность вольных копий, представляющая собой самостоятельное художественное произведение уже в полном смысле слова. Компиляция выполняется на основе определенной картины, которая дополняется элементами или фрагментами других произведений этого мастера либо мастеров того же стиля. Творческие изменения может внести и сам художник, выполняющий компиляцию. В итоге складывается самостоятельная живописная композиция.
Копии – это не постер или высококачественная печать на холсте, это живопись, т. е. эксклюзивная ручная работа, похожая скорее на создание ювелирного произведения, чем на высококачественную печать современного принтера. Поэтому настоящая копия стоит дорого, выполняется эксклюзивно и не может быть сделана быстро, поскольку учитывает, помимо передачи художественной ценности, еще и технологию создания подлинника.
Копийная практика вносит большой вклад в достижение главных целей при изучении изобразительного искусства в художественных учебных заведениях и на художественных факультетах.
Актуальность этого вопроса определяется стремлением студентов художественных специальностей получить профессиональное образование в высших художественных учебных заведениях, где копирование является одной из важных составляющих образовательной программы. Курс копирования позволяет студентам художественных специальностей приобщиться к традициям русской академической школы, зарубежного искусства, что имеет немаловажное значение для освоения художественных специальностей.
Изучение искусствоведения происходит на основе теории искусств, их истории и художественной критики. В сферу искусствоведческого образования входит и эстетическое воспитание, которое по сути своей невозможно без художественного образования. Любой человек в какой-то степени на различных уровнях получения своего образования, наряду с естественно-научными и математическими знаниями знакомится с основными положениями искусства. Научиться любить и наслаждаться искусством, не прикасаясь к этим основам, невозможно.
Искусствовед – художественно образованный специалист. Основным объектом применения его знаний является музей – место хранения произведений станковой темперной и масляной живописи, художественных произведений. Несмотря на то, что искусствознание как бы является теоретическим курсом, будущему специалисту-искусствоведу необходимо ознакомиться и с практическими навыками различных техник живописи. Это необходимо прежде всего для более полного понимания исследуемого произведения искусства, облегчает анализ художественного произведения в процессе создания картины, придает специалисту уверенность в своих знаниях. Художественная коммуникация начинается с постижения смыслов творческого акта, расшифровки той информации, которая закодирована в произведении искусства, поэтому курс "Основы копирования произведений искусства" включает в себя такое направление творчества, как интерпретация. Подобного творчества как самостоятельного направления, насколько известно, никогда не возникало в изобразительном искусстве. Копии делались, в том числе и великими мастерами, а вот попыток "интерпретировать" не было. Тем не менее, предпринята попытка в определенной форме рекомендовать отдельным студентам своего рода "переложения". Такая практика известна – "Менины" П. Пикассо.
Пабло Пикассо. Менины. По Веласкесу. 1957. Холст, масло. Музей Пикассо, Барселона
Это первый опыт внедрения в учебный процесс интерпретации художественных произведений известных мастеров и создания на ее основе собственного произведения. Основными задачами в работе над интерпретацией являются формирование у студентов потребности в общении с искусством; активизация процесса эмоционально-образного восприятия произведений искусства.
Понятие "интерпретация" (от лат. interpretatio – разъяснение, истолкование, перевод) применяется во многих сферах человеческой деятельности, таких как философия, юриспруденция, математика, программирование, музыка, живопись, литературоведение и пр. В каждой из них оно имеет определенные особенности, связанные со спецификой той или иной деятельности. Самым общим и универсальным можно считать понимание интерпретации как истолкования, объяснения, приписывания смыслов и значений.
В литературоведении интерпретацию понимают как истолкование литературного произведения, постижение его смысла, идеи, концепции.
В музыке интерпретация – процесс звуковой реализации нотного текста. Она предполагает индивидуальный подход к исполняемой музыке, активное к ней отношение, наличие у исполнителя собственной творческой концепции воплощения авторского замысла. Интерпретация зависит от эстетических принципов школы или направления, к которым принадлежит исполнитель, от его особенностей и идейно-художественного замысла.
В изобразительном искусстве, по определению Н. А. Митяевой, термин "интерпретация" идентифицируют как момент художественно-критического процесса, при котором произведение искусства описывают и анализируют, чтобы выявить его средства выразительности, значение, настроение или идею, которая сообщается зрителю, что важно для искусствоведа.
В каждом из видов искусств интерпретация является важной составляющей жизни произведения. Она осуществляет коммуникацию между автором, соавтором (исполнителем, искусствоведом, критиком) и реципиентом. Идеи автора, дух его эпохи через интерпретацию сообщаются аудитории, находящейся в иной исторической и эстетической реальности. Благодаря интерпретации расширяется круг возможных реципиентов, доносятся заложенные в произведении смыслы, обнаруживается актуальность настоящему времени.
Существующие разновидности интерпретации – аутентичная, субъективирующая и актуализирующая – обеспечивают многообразие явлений в искусстве, не дают остановиться на единственно "правильном" варианте, стимулируют творческий поиск и расширение границ восприятия. Но в каждой интерпретации независимо от ее направленности, корректности осуществляется общение автора, интерпретатора и аудитории, где каждое из звеньев этой триады имеет право на творческую активность и индивидуальное восприятие [2].
Что же касается интерпретации в живописи, примером может служить творчество знаменитого французского художника, классика современного искусства Пьера Сулажа. Его выставка в Третьяковской галерее в октябре 2010 г. была знаковым событием для художественного мира Москвы.