1664. Лувр, Париж
Вермер писал жанровые полотна малых форм с небольшим числом действующих лиц. «Кружевница» – самая маленькая картина художника. Считается, что здесь он изобразил кого-то из своих домочадцев. Картина написана с близкого расстояния, и, чтобы сконцентрировать внимание зрителя на фигуре девушки, Вермер немного расплывчато пишет более близкие предметы – синюю подушку для вышивания, красные и белые нити.
«Линия правды» в искусстве Вермера неотделима от «линии красоты», в его исполнении даже обыденная сцена наполнена поэзией и мирным течением жизни. Огромную роль в реализации живописного замысла играет магия света и богатый колорит, с помощью которых художник создает на холсте необычайную драгоценную субстанцию, сотканную из тончайших переплетений света и цвета. Свет проникает в частицы красочного пигмента, озаряя их изнутри и содействуя впечатлению светозарности, которое оставляют полотна мастера.
Девушка с жемчужной сережкой
1664–1665. Королевский кабинет картин, Гаага
Картины Вермера неизменно поражают совершенством цветовой гармонии, классической чистотой и ясностью образов. Художник виртуозен в передаче различных фактур: тканей, теплой кожи, блестящей жемчужины. Каждая деталь его полотен написана мельчайшими выпуклыми точечками краски, что делает предметы ощутимо осязаемыми. Умение видеть красоту в любом мотиве, а также сложнейшую живописную технику Вермер позаимствовал у своего великого предшественника Яна ван Эйка. А вот в области передачи интенсивного солнечного освещения и мощного звучания чистых пятен света Вермер был новатором.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)
Автопортрет с Саскией на коленях
1635. Картинная галерея, Дрезден
Картина написана спустя год после женитьбы Рембрандта на Саскии ван Эйленбюрх. Художник чувствовал себя тогда баловнем судьбы. К тридцати годам он достиг славы, богатства, семейного счастья. Сын мельника, он женился на девушке из высших слоев общества. Поднимая бокал вина, Рембрандт приглашает зрителя принять участие в его празднике жизни. Подобное изображение нарушало тип голландского семейного портрета, который традиционно демонстрировал добропорядочность, скромность, бережливость.
Картина Рембрандта выглядит, напротив, иллюстрацией к перечню «смертных грехов»: беспечности, чревоугодию, расточительности. Тип композиции с изображением гуляки с женщиной на коленях восходит к изображению разгула блудного сына из евангельской притчи.
Даная
1636. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Даная» была задумана под впечатлением от картины Тициана на сюжет из древнегреческой легенды. Дочь царя Акрисия была заключена отцом в недоступной башне, так как оракул предсказал ему смерть от руки внука. Но очарованный Данаей Зевс проник к ней в виде золотого дождя, и сбылось предсказание оракула.
Рембрандт написал первый вариант картины, очень близкий эталонному тициановскому воплощению этого сюжета, но позднее существенно переработал его. Вместо золотого дождя художник изобразил мощный поток света, предвещающий появление Зевса. В отличие от героини Тициана Даная совсем не похожа на античную статую. Рембрандт хотел, чтобы зритель видел не красоту, а страстный порыв: Даная протянула руку, то ли призывая Зевса, то ли защищаясь от него.
Большое внимание художник уделяет окружению Данаи – великолепным предметам, наполняющим ее темницу, украшению ее истинно царского ложа, охраняющим Данаю грифонам и плачущему Амуру, символу ее вынужденного целомудрия. Поражает красота самой живописи: мягкое мерцание золота, вспышка света на серебряных нитях, рубиновые переливы бархата. К краскам Рембрандт добавлял толченое стекло, благодаря чему красочный слой приобрел повышенную светоносность.
Возвращение блудного сына
Ок. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина была закончена Рембрандтом незадолго до смерти, хотя он начал работать над ней еще в 1636 году. Это произведение – подведение итогов его жизненной и творческой судьбы. Сюжет заимствован из евангельской притчи о блудном сыне, который, покинув дом отца, вел беспутную жизнь и промотал все свое богатство. И вот больным и нищим вернулся он в родной дом, где отец его принял и простил. Рембрандт изображает самый напряженный момент встречи отца и сына после мучительной и долгой разлуки. Поза сына, упавшего перед простившим его отцом, – поклонение величию доброты и милосердия. Мягкий теплый свет, который излучает лицо отца, озаряет лица тех, кто присутствует при этой сцене, и, как надеялся Рембрандт, лица зрителей. Эта картина – обобщающий образ человечества в его величии и его слабости. По своему масштабу, приподнятости образов над буднями жизни, значительности содержания она близка алтарной композиции на тему всепрощающей любви к страждущему человечеству.
Ночной дозор
1642. Рейксмузеум, Амстердам
Свое название картина получила в XIX веке. К этому времени краски холста потемнели, он был обрезан с четырех сторон. После реставрации в 1946–1947 годах стало ясно, что действие происходит при дневном свете.
Групповые портреты стрелковых гильдий появились в XVI веке во время войны за независимость страны. Позднее стрелки собирались вместе в случае нападения на город, а также для военной подготовки. «Ночной дозор» стал самым необычным среди подобных изображений. Создается впечатление, что стрелки собираются по внезапному сигналу: по-разному одетые и вооруженные люди двигаются из глубины картины, заполняя весь передний план. Это не регулярные войска, а ополчение. Вместо 18 заказчиков портрета художник изобразил 21 человека, присоединив к ним бегущего мальчика и двух девочек, тем самым демонстрируя общенародный характер события. Всех участников объединяет готовность к борьбе. На переднем плане выделена фигура капитана, отдающего приказ лейтенанту. Рембрандт преобразил групповой портрет в историческую картину, повествующую о героической поре в истории Голландии.
Жорж де Латур (1593–1652)
Шулер с бубновым тузом
1620–1630-е гг. Лувр, Париж
Творчество Жоржа де Латура, одного из самых загадочных мастеров европейской живописи XVII века, было забыто после его кончины и открыто заново только в 1940-е годы. В произведениях Латура ощущается интерес к искусству Караваджо в выборе сюжетов и обыгрывании эффектов искусственного освещения в так называемых «ночных сценах». Художник сурового эпического склада, Латур облагораживает самые низменные бытовые сюжеты, лишая их какой бы то ни было вульгарности.
Новорожденный (рождество)
1640-е гг. Музей изящных искусств, Рейн
На первый взгляд художник запечатлел жанровую сценку с молодой матерью, убаюкивающей младенца. Строгость и лаконичность композиции, сильное пластическое обобщение фигур, их абсолютная статика поднимают сцену над сферой обыденного и заставляют увидеть в трех персонажах Младенца Христа, Деву Марию и св. Анну.
Никола Пуссен (1594–1665)
Пейзаж с Полифемом
1649. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
В одном из самых прославленных пейзажей Пуссена, невеяном впечатлениями от окрестностей Рима, художник воплотил идеальный образ природы, очищенный от всего случайного, исполненный гармонии, героического величия и торжественности. Фигурки, населяющие пейзаж, подчеркивают его грандиозность. Это арена жизни не обычных людей, а мифологических персонажей, неразрывно связанных с природой.
Аркадские пастухи
1650. Лувр, Париж
В Аркадии, идиллической стране любви, музыки и вечной весны, пастухи находят гробницу, на которой выбита надпись «Et in Arcadia еgo» («И в Аркадии я есть»), что наводит их на мысли о неизбежности смерти. Пастух, обескураженный этим открытием, обращается к женщине. Она положила руку на его плечо, призывая философски относиться к бренности всего земного. Но, в то же время Пуссен утверждает любовь к жизни – все в картине дышит спокойствием и гармонией.
Клод Лоррен (1600–1682)
Похищение Европы
Ок. 1635. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва
Клод Лоррен параллельно с Пуссеном развивал в своем творчестве принципы «классического пейзажа», нового для XVII века жанра. Художник никогда не изображал конкретных видов местности, он писал вымышленные пейзажи согласно выработанным им правилам (чередование удаляющихся в глубину планов), но обогащал их натурными наблюдениями.
Утро
1661. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Утро», один из выдающихся образцов классического пейзажа, входит в серию картин, изображающих природу в определенное время суток. Лоррен одним из первых стал передавать изменчивость природы в зависимости от освещения и состояния атмосферы.
Каналетто (1697–1768)
Прием французского посла в Венеции
1725–1726. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Обязанностью «первого ведуста», каким был тогда Антонио Каналь, прозванный Каналетто, было запечатлеть все выдающиеся события в жизни города – торжественное прибытие послов, официальные церемонии, праздники; также он с удовольствие писал привлекательные, особо любимые путешественниками парадные виды города на воде – Большой канал, Дворец дожей, колонны на площади Пьяцетта. В отличие от многих своих современников Каналетто всегда был точен в передаче топографии города. Даже количество окон и колонн на зданиях он изображал без единой ошибки. Кроме того, художник мастерски умел передать влажный воздух, пронизанный солнечным светом, выстроить пейзаж в соответствии с правилами воздушной и линейной перспективы.
Изображение гондол и людей в карнавальных масках на переднем плане картины вводит зрителя в атмосферу вечного праздника. Это полотно предназначалось в качестве подарка французскому послу.
Уильям Хогарт (1697–1764)
Девушка с креветками
1740–1745. Национальная галерея, Лондон
Хогарт не получил систематического профессионального образования. Он начинал свой творческий путь как гравер в ювелирной мастерской, а вырос в крупнейшего живописца, графика, теоретика искусства. Трудолюбивый, энергичный; он стремился к тому, чтобы отразить в своих работах всю полноту современного ему быта, в основном создавая своеобразные «романы о нравах», где на первое место выходила не живопись, а подробно рассказанная история. Но есть в его наследии ряд произведений совсем иного плана – живых, широко написанных, оставляющих впечатление незаконченного эскиза. «Девушка с креветками» – задорный жизнерадостный образ, возможно, написан с жены художника. Овдовевшая госпожа Хогарт не расставалась с картиной до самой смерти, а посетителям говорила: «Считают, что он не умел передавать плоть. Вот, пожалуйста, – и плоть, и кровь».
Томас Гейнсборо (1727–1788)
Портрет дамы в голубом
Конец 1770-х. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
С середины XVIII века английская живопись выдвинулась на ведущие позиции в европейском искусстве. Гейнсборо принадлежит к числу величайших мастеров Англии этой эпохи. Один из лучших в творчестве Гейнсборо портретов был написан, по-видимому, на заказ, но в нем полностью отсутствует официальность. Изящные холеные руки демонстрируют аристократизм модели, напудренные волосы уложены в сложную прическу, увенчанную маленькой шляпкой со страусовыми перьями. Однако элегантность этой женщины – не главное: художник акцентирует внимание на ее прекрасном одухотворенном лице. Томность взгляда, приоткрытый рот, как будто из него вырывается вздох, передают «нежные чувствования», введенные в моду сентиментализмом, ведущим течением в английской литературе этой эпохи.
Портрет Роберта Эндрюса с женой Фрэнсис
Ок. 1748. Национальная галерея, Лондон
Наряду с современными ему писателями-просветителями Гейнсборо стремился к утверждению идеалов естественной простоты, понимаемой как жизнь в единении с природой, что нашло отражение в картине «Портрет Роберта Эндрюса с женой Фрэнсис», где лирическое изображение супружеской четы в окружении пейзажа представляет гармоничную связь человека с природой.
О данной картине сложно сказать, портрет ли это в пейзаже или пейзаж с фигурами. Бо́льшая часть полотна отдана изображению сельских далей со стадом овец и снопами пшеницы. Стоит отметить, что здесь Гейнсборо проявляет новаторский подход в трактовке ландшафтного обрамления портретируемых: он пишет не идеальный «сочиненный» пейзаж, как было принято, а реальные окрестности графства Саффолк.
Джошуа Рейнолдс (1723–1792)
Портрет полковника гренадеров Георга К. Х. Кусмейкера
1782. Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Рейнолдс, художник, теоретик искусства и первый президент Королевской академии художеств, создал более 2000 портретов. В силу занимаемой должности он оказался хранителем высокого искусства в духе классических традиций прошлого. И тем не менее именно этот мастер совершил революцию в английском искусстве в жанре портрета, сумев соединить репрезентативный портрет Ван Дейка и итальянских мастеров эпохи Возрождения с правдивой и психологически острой характеристикой модели.
Портрет Георга Кусмейкера исполнен в «большом статуарном стиле» (как его называл сам художник), сочетающем яркую индивидуальность модели с классическими формами воплощения.
Амур развязывает пояс Венеры
1788. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина «Амур развязывает пояс Венеры», написанная Рейнолдсом в 1784 г оду для лорда Кэрисфорта (Галерея Тейт, Лондон), имела успех, поэтому художник сделал с нее несколько повторений, в том числе для Григория Потемкина. Выше других жанров Рейнолдс ставил историческую живопись на античные или библейские сюжеты. Однако в этой картине чувствуется, что автор – современник художников французского рококо Буше и Фрагонара, которые писали любовные сцены фривольного содержания. Венера с ложной стыдливостью прикрывает лицо рукой, но при этом кокетливо смотрит на зрителя. Существует предположение, что моделью Венеры служила красавица Эмма Харт, известная как леди Гамильтон.
Юный Хейр
1788–1789. Лувр, Париж
Это один из лучших детских портретов в творчестве художника. В нем присутствует известный оттенок сентиментальности, характерный для культуры конца XVIII столетия. Рейнолдс блистательно передал обаяние счастливого детства и непосредственных эмоций ребенка. Своей популярностью он был обязан не только таланту и трудолюбию, но и счастливому характеру. Даже девонширский акцент и простое происхождение не мешали ему свободно общаться с представителями высшего света. Он умел расположить к себе клиентов искренним интересом, зная, что портрет не получится живым и непосредственным, если художник и модель будут относиться друг к другу настороженно. Поэтому ему так удавались детские образы.
Антон Рафаэль Менгс (1728–1779)
Автопортрет
Ок. 1773. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Автопортрет написан Менгсом на пике своей славы. В 1771 году он стал президентом Академии Св. Луки в Риме, а также членом многих других академий Европы. За год до написания этой работы он создал автопортрет для галереи великих мастеров в Уффици, который выставлялся рядом с портретами Рафаэля и Тициана. Работая над эрмитажным автопортретом, Менгс попытался не просто запечатлеть свою внешность, а показать свою значимость как художника, изобразив себя в процессе творчества и обозначив все признаки профессии: папку, кисть, рабочую блузу. При этом он отказался от изображения деталей обстановки, исключив из картины все будничное, прозаическое. Простая и ясная композиция портрета, обобщенность контуров, сдержанность цвета – все эти особенности присущи неоклассицизму. Этот портрет – программа художника, эстетическая и жизненная.