— Четвертый фильм цикла в некотором смысле интегральный — он сводит воедино героев предыдущих «серий»: князя, трех богатырей, их жен, животных и т. д. Насколько было сложно работать с героями, созданными другими сценаристами?
— Работать с «готовыми» героями и образами, с одной стороны, проще, с другой — сложнее. Проще в техническом смысле. Я, заказчики, режиссер и зрители уже знаем, какие они, герои фильма. Не нужно договариваться и сводить наше видение к общему знаменателю. Меньше споров, эффективнее работа.
Но если бы я работала над образами с первого фильма, богатыри были бы совсем не такими. Мне, скажу откровенно, они не нравятся, потому что в моем понимании являются пародией на своих былинных прототипов. И мне как человеку, любящему русскую культуру и свои корни, это очень горько.
Взять того же Алёшу Поповича. Он же сын попа, священника! Он был грамотен, образован, что большая редкость по тем временам. У нас же в фильме он главный дурак. Есть претензии и к остальным мультяшным богатырям. А также к образу недалекого и сластолюбивого князя киевского, в котором всякий узнает Владимира, хотя создатели и не ставили перед собой такой цели.
Когда я была просто зрителем, мне (и не только мне) казалось, что это чуть ли не происки Мировой Закулисы… Но, пообщавшись с создателями этой истории, поняла: они искренне не ждали такого эффекта и задачи обсмеять русские святыни перед собой не ставили. Хотели просто развлечь зрителя, которого почему-то принято считать недалеким.
Мне оставалось только одно: работать с имеющимися персоналиями и сделать фильм уж если не патриотичным, то добрым, семейным, объединяющим.
— Мне кажется, что все четыре мультфильма достаточно патриотичны. Но вот в интернете раздаются обвинения в адрес четвертого фильма: мол, русский князь — клоун, богатыри — тупицы, без жен и бабушки с дедушкой никуда не годные… Как бы вы прокомментировали такой взгляд на сюжет?
— Я думаю, что целью фильма было неназидательное воспитание семейных ценностей, по крайней мере, мы ставили перед собой такую задачу. А насколько она выполнена — судить вам.
Поясню. Не то чтобы богатыри без жен, друзей и родственников ни на что не способны. Способны, но и самые сильные из нас могут быть побеждены хитростью и коварством. А вот если рядом с нами близкие люди, с которыми мы связаны родственными и дружескими узами, или наши единомышленники — тогда нам ничего не страшно. Идея, безусловно, не нова, впрочем, как и каждая стоящая истина.
— Во всех фильмах огромное количество постмодернистских элементов — всевозможных аллюзий и реминисценций. Не обошла эта карма и «Трех богатырей». Это продюсерское задание или веление души?
— О, это веление души! В первых двух вариантах сценария — абсолютно других по событийности, но с теми же героями, — всего этого добра было гораздо больше. Я запрягла свою любимую тройку коней: постмодернизм, аллюзию и реминисценцию — и помчалась, не разбирая дороги. Заказчики всем миром кричали «тпру» и просили оставаться в рамках, заявленных предыдущими фильмами. И дозировать подобное… Думаю, они были правы.
Если серьезно, то принято считать, что коммерчески успешный фильм, который должен собрать кассу, не может сейчас обойтись без этих приемов. Зрителю необходимы маячки, привязки к современным реалиям, для более успешного усвоения сюжета.
Я как раз не считаю, что зритель идиот. Просто пошутить на «историческую тему» в контексте современных реалий проще простого. Яркий пример: в библиотеке князя лежит книга «Поколение X». Почему Хэ? Потому что в десятом веке живем. Автору сложно отказаться от удачной шутки, построенной на этом элементарном принципе. Уверена, что именно этим объясняется мода на такую подачу материала в кинематографе.
— В отличие от предыдущих фильмов, в «Трех богатырях» нет однозначно главного героя. Так и задумывалось?
— Конечно. Перед нами стояла огромная проблема: нельзя вывести одного из богатырей вперед, сделать главным героем и умалить при этом значение двух других. Я считаю, мы прекрасно справились с этой задачей, заложив проблему и решив ее в самом сюжете. У нас нет первого среди равных.
— Как проходило взаимодействие с режиссером мультфильма. Он работал жестко по первоначальному сценарию или вносились изменения по ходу съемок?
— С режиссером мы не встречались ни разу, и я считаю, что это самый правильный подход к делу. Сценарист мыслит словом, а режиссер — картинкой. Конечный результат почти всегда плох, если режиссер вдруг начинает строить сюжет и писать диалоги, а сценарист навязывать свое понимание видеоряда.
Например, в сценарии наша злодейка-царица сбегала по ступенькам восточного дворца, садилась в самодвижущуюся лодочку и плыла к островку, на котором росло корявое черное дерево. У режиссера же это таинственное путешествие к загадочной пирамиде, внутри которой располагается искомый артефакт. Мне кажется, режиссер справился с подачей гораздо более эффектно, чем в сценарии, — так и должно быть.
С другой стороны, мне по-детски обидно, что идею с молодильными яблоками «продали» сразу, в сценарии я маскировала цель царицы до последнего. Хотелось, чтобы ее старость оказалась для зрителя сюрпризом и шоком.
Сейчас, конечно, градус интриги уже не тот. С драматургической точки зрения, это неправильно и больно.
— По идее, картина должна завершать проект, но концовка открытая, почти в духе фильмов Хичкока. Это художественный прием или задел на продолжение?
— Создатели клялись, что фильм последний. Но ни я, ни вы всерьез не стали бы верить этому заявлению, правда?
Беседовал Дмитрий БАЙКАЛОВ
Рецензии
ЗЕЛЕНЫЙ ШЕРШЕНЬ 3D
(THE GREEN HORNET)
Производство компаний Original Film, Original Film Feature Films и Sony Pictures (США), 2011.
Режиссер Мишель Гондри.
В ролях: Сет Роген, Джей Чоу, Кристоф Вальц, Кэмерон Диаз, Том Уилкинсон, Дэвид Харбор, Эдвард Джеймс Олмос. 1 ч. 59 мин.
Избалованный сын медиамагната живет на широкую ногу не замечая ничего вокруг Дорогие вечеринки, бесконечные пьянки и случайные связи — все, что волнует Бритта Рида. Но после внезапной гибели отца Брил оглядывается в прошлое и понимает: там лишь пустота. Перспектива занять место отца в медиабизнесе навевает на Бритта скуку, и чтобы хоть как-то исправить положение, принести пользу обществу, он решает стать — эка невидаль! — супергероем. Для подобной затеи у него есть неограниченные финансовые возможности и чудо-механик, способный из подручных средств собрать термоядерный реактор…
Как и прочие кинокомиксы, «Зеленый шершень» появился не на пустом месте. Основой нового фильма Мишеля Гондри помимо комиксов стали теле- и радиопостановки далекого прошлого. В одной из них роль напарника главного героя исполнял сам Брюс Ли. Но несмотря на богатую основу, внушительный бюджет и талантливого режиссера, омоложенный, пытающийся вывернуть наизнанку каноны кинокомиксов «Зеленый шершень» никаких эмоций не вызывает.
Основная проблема картины в том, что до ее выхода зрители увидели такие фильмы, как «Хранители», «Пипец» и «Железный человек». Главный герой — всего лишь бледная тень Тони Старка: богатый, но глупый, к тому же начисто лишенный харизмы. Напарник Бритта крут неимоверно, даже для героя кинокомикса, и непонятно, почему с такими способностями до сих пор всего лишь механик. Главный злодей, некто Чудновски, зациклен на том, что его никто не боится, и с каждым появлением в кадре непременно кого-нибудь убивает из сдвоенного пистолета. Ближе к финалу нытье и однообразное появление антагониста откровенно раздражают.
Попытка сделать фильм под лозунгом «посмеемся над кинокомиксами» привела к пресным диалогам, плоским шуткам и пиротехнике на уровне картин Майкла Бея. Причем богатые спецэффекты лишь подчеркивают идиотизм происходящего на экране. Они как будто живут здесь своей, отдельной от персонажей, жизнью.
Степан Кайманов
ОСТРОВ ЗАБВЕНИЯ: ХАРУКА И ВОЛШЕБНОЕ ЗЕРКАЛО
(OBLIVION ISLAND. HARUKA AND THE MAGIC MIRROR/ HOTTARAKE NO SHIMA — HARUKA TO MAHO NO KAGAMI)
Производство компаний Dentsu, Fuji Television Network и др. (Япония), 2009.
Режиссер Синсуке Сато.
Роли озвучивали: Иэмаса Каюми, Мицуки Танимура и др. 1 ч. 33 мин.
Харука — шестнадцатилетняя девушка, несколько лет назад потерявшая маму, живет с вечно работающим отцом. Поссорившись с ним в очередной раз, девушка убегает в старый заброшенный домик бабушки в поисках потерянного когда-то подарка матери — ручного зеркальца. И там, неожиданно обнаружив волшебного лисенка Тэо, словно кэролловская Алиса в кроличью нору, Харука падает в небольшое озеро. И переносится вслед за лисенком в волшебный мир — остров утерянных вещей и забытых воспоминаний.
(OBLIVION ISLAND. HARUKA AND THE MAGIC MIRROR/ HOTTARAKE NO SHIMA — HARUKA TO MAHO NO KAGAMI)
Производство компаний Dentsu, Fuji Television Network и др. (Япония), 2009.
Режиссер Синсуке Сато.
Роли озвучивали: Иэмаса Каюми, Мицуки Танимура и др. 1 ч. 33 мин.
Харука — шестнадцатилетняя девушка, несколько лет назад потерявшая маму, живет с вечно работающим отцом. Поссорившись с ним в очередной раз, девушка убегает в старый заброшенный домик бабушки в поисках потерянного когда-то подарка матери — ручного зеркальца. И там, неожиданно обнаружив волшебного лисенка Тэо, словно кэролловская Алиса в кроличью нору, Харука падает в небольшое озеро. И переносится вслед за лисенком в волшебный мир — остров утерянных вещей и забытых воспоминаний.
В необъятной яркой стране, захламленной исчезнувшими давным-давно и забытыми игрушками, девушка переживет ошеломительные приключения, разыскивая мамино зеркальце, оказавшееся на самом деле ценным магическим артефактом. Здесь будут и головокружительные погони, и битва с местным диктатором, злобным Бароном. Лишь раскрыв в себе способность менять характеры и судьбы новых друзей, а также выявив собственное чувство потерянной радости, детских ощущений, девушка обретет самое главное — умение помнить.
Японская анимация для большинства непосвященных — это большеголовые персонажи с глазами-блюдцами. Здесь — другое. Не столь уж заурядное явление — 3D-анимация, созданная не в Корее — Китае — Малазии, а в самой Японии.
Красочная, насыщенная картинка, весьма увлекательный и приятный сюжет с несколькими трогательными сценами вызывают щемящее чувство. Эта история взросления в своеобразном персональном Зазеркалье оставляет зрителям нежный привкус ванильных воспоминаний с миллионом солнечных зайчиков и осколков детского счастья… Кстати, фильм был номинирован на премию Японской академии за лучшую анимацию 2010 года.
Вячеслав Яшин
ПЕРВЫЕ ЛЮДИ НА ЛУНЕ
(THE FIRST MEN IN THE MOON)
Производство кинокомпании Can Do Productions (Великобритания), 2010.
Режиссер Дэймон Томас.
В ролях: Рори Киннеар, Марк Гатисс, Питер Форбс, Кэтрин Джейкуэйс, Джулия Дикин, Ли Инглби и др. 1 ч. 30 мин.
Герберта Уэллса называют первооткрывателем многих фантастических идей. На самом деле это не совсем верно. Почти все его идеи (полет на Луну, вторжение с Марса, путешествие во времени, очеловечивание животных) так или иначе обыгрывались в мифологии, однако английский писатель сумел соединить их с естественнонаучными взглядами и вписать в интерьеры современной ему викторианской Англии. Таким образом получилось новое качество, а поскольку научно-техническая революция начала XX века до сих пор оказывает значимое влияние на развитие человечества, тексты Уэллса не стареют.
Существует множество экранизаций его книг. В 2010-м вышла очередная — картина «Первые на Луне», снятая по одноименному роману 1901 года. Эта экранизация является своеобразным ремейком британской киноленты 1964 года. Но если в старом фильме тайна первого космического полета, совершенного в начале века бизнесменом Бедфордом и профессором Кейвором, обретает гласность благодаря астронавтам международной экспедиции, высадившимся на Луну и обнаружившим там британский флаг, то в новой версии она становится достоянием подростка Джима, который на ярмарке случайно знакомится с Бедфордом — и на этот раз действие происходит в июле 1969 года, незадолго до прилунения «Аполлона-11». Что касается сюжета, изложенного Уэллсом, то он претерпел изменения в отдельных деталях, но основная канва бережно сохранена: англичане строят корабль с антигравитационным двигателем, летят на Луну, сталкиваются там с кастовым обществом селенитов, пытаются сбежать, разделяются…
Спецэффекты для киноленты, снятой в XXI веке, выглядят очень примитивно. Игра актеров и режиссерская работа тоже оставляют желать лучшего; встречаются и откровенные ляпы. Но «Первые люди на Луне» нельзя назвать совсем уж провальным фильмом хотя бы потому, что в нем сохранен прорывной дух эпохи первых космических полетов. Ну а темы ответственности ученых перед будущим и столкновения цивилизаций, похоже, никогда не утратят актуальности.
Антон Первушин
Тема
МАГИЯ ЛЮБВИ«История, старая как мир…» О чем это? Конечно, о любви. И о фэнтези.
Жанр фэнтези в начале этого века расцвел на экранах как никогда. Героическое направление, детско-подростковое направление и, наконец, успех романов Стефани Мейер и. последовавшей «сумеречной» киносаги всколыхнули интерес к фантазии романтической. В последнем случае можно говорить о народной любви «с первого взгляда», потому что популярности не способствовала ни формируемая десятилетиями аудитория, ни дорогостоящий маркетинг и стомиллионные бюджеты. Более того, очередные выпуски «Гарри Поттера» с усилением темы подростковых взаимоотношений все больше мигрируют в «сумеречную» зону. Пожалуй, история первой любви вампира Эдварда и старшеклассницы Беллы породила новый жанр — широкоэкранную «мыльную оперу» с мистическим оттенком.
Небывалая истерия вокруг влюбленных кровососущих может сформировать мнение, что «Сумерки» и есть канон «романтической фэнтези». Между тем этот киножанр имеет богатейшую историю, какой не могут похвастаться его старшие собратья.
Европы баловень Орфей
Довольно трудно судить, что именно считать началом романтической фэнтези в кинематографе. Ведь практически любой фильм для широкого зрителя не обходится без любовной линии, и фантастика здесь не исключение. И все же под романтической фэнтези мы будем понимать только те фильмы, где любовная линия — центральная, и собственно, ради нее картина и затеяна. Поэтому даже такие вроде бы яркие образчики, как «День сурка» Гарольда Рэмиса или «Плезантвилль» Гэри Росса, к романтической фэнтези если и относятся, то очень условно.
Нельзя точно сказать, когда же появился этот специфический жанр. Но можно утверждать другое — мощный толчок его развитию дала… Вторая мировая война. Хотя, если вдуматься, ничего удивительного нет. Конечно, подобные фильмы снимались и раньше. Однако именно после самой большой войны в истории и Европа, и Америка потянулись к возвышенным чувствам как символу победы жизни. На поставленный ребром вопрос: «Возможна ли поэзия после Освенцима?» — искусство однозначно ответило «да». Кинофабрики сразу нескольких стран выдали красивые сказки о любви. Символично и то, что любовь здесь почти во всех случаях выступала как противопоставление злу и смерти.
Попытки предпринимались даже в разгар военных действий. В 1942 году, во время немецкой оккупации, французский режиссер Марсель Карне снял картину «Вечерние посетители», известную также под названием «Посланники дьявола». За основу взята средневековая легенда. Мужчина и женщина, бывшие любовники, продавшие душу дьяволу, направлены хозяином сеять смуту на земле. Слуги врага рода человеческого под видом менестрелей проникают в некий замок, однако мужчина неожиданно искренне влюбляется в дочь его владельца. В дело вмешивается сам дьявол, но, кажется, и он не может устоять перед девушкой. Сделать же что-либо с влюбленными дьявол не в силах, даже обратив их в камень. Метафора противостояния фашизму здесь вполне прозрачна, а «поэтический реализм» Карне переводит сюжет во вневременное измерение.
В 1946 году в уже освобожденной от гитлеровцев Франции шла картина «Красавица и чудовище» Жана Кокто. Для съемок в фильме актер Жан Маре был даже временно отпущен с фронта, где служил водителем бензовоза. Классическая история до сих пор впечатляет незабываемым гримом протагониста, гротескно-жутким и в то же время трогательным из-за «кошачьих» черт. Маре исполнил в картине сразу три роли: чудовища в двух ипостасях — зверя и принца, а также его соперника в борьбе за руку и сердце Белль по имени Авенан. Таким ходом Кокто выразил главную мысль картины: любовь может превратить чудовище в человека и наоборот.
Еще до войны Кокто начал снимать трилогию об Орфее. Самой известной стала вторая часть триптиха — «Орфей» (1950). Античный миф режиссер перенес в современные ему парижские реалии. Здесь в поэта-авангардиста Орфея, которого играет все тот же Маре, влюбляется сама Смерть. Она носит облик вовсе не старухи (как, например, в позднем фильме Алена Делона «Переход»), а эффектной Принцессы, своеобразной роковой брюнетки. Ради своей любви Смерть готова забрать беременную жену поэта Эвридику. Но к Эвридике начинает испытывать глубокое чувство служащий Смерти Эртебиз, выполняющий роль Харона, только вместо ладьи у него — фешенебельный «роллс-ройс». Так рождается необыкновенный любовный четырехугольник. Загробное царство, куда должен войти Орфей, напоминает диктаторский режим, а дерзкая выходка Смерти, которая сначала похищает Эвридику, но затем жертвует собой, чтобы вернуть поэта и его жену к жизни, выступает актом сопротивления.