Эти вещества измельчались в мелкую пудру, смешивались с жиром (возможно, с животным салом) и накладывались приспособлением, напоминающим кость. Иногда краски накладывались палочками, напоминающими современные мелки. Жиры, смешанные с измельченными красками, делали их жидкими. В таком жидком состоянии частички красителя соединялись вместе. Пещерные жители, должно быть, делали кисти из щетины или волоса животных.
Давным-давно, около 35 тыс. лет назад, человек изобрел основные орудия и материалы для рисования. Техника и материалы обновлялись и улучшались с течением веков, но в основе своей остались такими же, как они были открыты пещерным человеком.
Одна из первых цивилизаций возникла в Египте около 5000 лет назад. Египтяне создали свою собственную технику рисунка. По их методу водяные краски накладывались на обмазанные глиной или известью стены. Сухой климат местности помог сохранить от разрушения эти рисунки, сделанные водяными красками.
Когда возникли музеи?
Музеи — это места, где собраны и экспонируются коллекции каких-либо предметов, которые или найдены в природе, или сделаны человеком. Существуют музеи, посвященные искусству, науке, истории, промышленности, технологии.
Слово «музей» происходит от греческого слова, обозначающего «храм муз». Музы были покровительницами искусств. Одно из первых учреждений, которое можно назвать музеем, найдено в Александрии в Египте. Он относится к III веку до н. э.
Целью музея в Александрии, насколько это известно, был сбор различной информации, которая была бы интересна студентам. Помимо экспонирования коллекции в александрийском Музее обучались студенты и работали ученые. Музей называли Храмом Наук. В Музее экспонировались предметы искусства и всякие диковинки, такие, как инструменты, используемые в астрономии и хирургии, клыки слонов, шкуры редких животных.
С тех пор и до XIX века было много коллекций, которые можно было бы назвать музеями, но они принадлежали королевским особам и знатным семьям и не выставлялись на обозрение. Даже в Британский Музей, построенный в середине XVIII века, допускалось всего несколько человек.
И только Французская Революция открыла двери французских музеев для всех. В 1793 году во время революции республиканское правительство сделало Лувр в Париже национальным музеем.
В XIX веке впервые начали строиться здания музеев. Одним из первых был построен Альтес Музей в Берлине. Он был создан в 1830 году.
Почему Андрея Рублева называют великим художником?
Андрей Рублев считается величайшим русским иконописцем. До того времени, когда работал Андрей Рублев, искусство живописи в России насчитывало несколько столетий. Были и крупные мастера, о которых с похвалой отзывались современники. Да и самому Рублеву пришлось трудиться бок о бок с замечательным византийским художником Феофаном Греком. Но среди всех этих мастеров именно Рублев занял первое место. Почему же так произошло?
Одна из главных причин в том, что Рублев был не только мастером-живописцем, но и художником. Дело в том, что большинство иконописцев в то время были лишь старательными и искусными иллюстраторами Священного писания и учения церкви. Рублев не ограничивался этими рамками. Он изображал прежде всего то, что чувствовал он сам и его современники, что можно было вообразить себе и передать средствами искусства. Вот почему его иконы сразу же покорили его современников и продолжают поражать нас, живущих много веков спустя.
Вот, например, вопрос о том, что представляет собой рай. Библия рассказывает, что первые люди были из него изгнаны, но как он выглядел — можно лишь воображать. Конечно, в наши дни вопрос о том, как устроен рай, не кажется таким уж важным, но для человека средневековья это был спор о том, достижимо ли совершенное устройство жизни на земле. Возможен ли рай на земле? И Рублев не мог не принять в нем участие. Он не утверждал того, что рай существует в каком-нибудь определенном месте, но представил его в столь привлекательном и в то же время конкретном виде, что каждый, кто видел его икону, мог сказать: да, на земле может существовать и мир, и согласие, и любовь.
В отличие от европейских художников Возрождения, Рублев не писал портретов своих современников. Но, рассматривая его иконы, мы видим, что они составляют единый, обобщенный портрет русских людей его времени. Так, ангелы, которых пишет художник, вовсе не воинственные и торжественные, но и не такие милосердные, как на картинах мастеров эпохи Возрождения. Рублев изображает их спокойными и непринужденными, похожими на обычных людей.
Не менее важно и цветовое решение его произведений. Звонкие краски создают у зрителя праздничное и радостное настроение. Любопытно, что свет на иконах не только освещает предметы извне, но и возникает изнутри; кажется, сами краски излучают его. Хотя он не писал ни солнца, ни пейзажей, его иконы словно перекликаются с природой. Цветовая тональность живописи Рублева напоминает погожий летний день в Подмосковье.
Вот почему мы и считаем Андрея Рублева великим художником.
Кто был первым художником-карикатуристом?
Сегодня практически все газеты и журналы помещают на своих страницах карикатуры. Одни из них заставляют нас смеяться, другие задуматься над происходящим.
Отцом современной карикатуры называют английского художника Уильяма Хогарта (1697–1764). Конечно, и до него были художники, которые в рисунках высмеивали глупость общепринятых привычек и манеры поведения. Но Хогарт считается родоначальником искусства карикатуры. Он интересовался природой человека, характером людей и взаимоотношениями между ними. Его рисунки высмеивали житейские ситуации и проблемы, такие, как пьянство, непослушание детей, всяческие преступления и даже провалившиеся выборы. Работа Хогарта была продолжена другим английским художником, Томасом Роулендсоном. Его карикатуры печатались в больших количествах и распространялись по всей Англии. Он преувеличивал человеческие недостатки, чтобы представить людей в нелепом виде и заставить их смеяться над собой.
В начале XIX века европейские журналы, кстати, очень похожие на теперешние, начали печатать карикатуры, которые выражали их отношение к происходящим событиям. Это послужило началом политической карикатуры, которая с тех пор постоянно публикуется в ежедневных газетах.
Одним из выдающихся художников в жанре карикатуры был француз Оноре Домье (1808–1879). Он совершал злые нападки на людей, облеченных властью, и разоблачал коррупцию в правительстве. В конце концов, его посадили в тюрьму на шесть месяцев из-за карикатуры, высмеивавшей короля.
В наши дни почти всем нравятся юмористические картинки и карикатуры, которые появляются в газетах.
Как, почему и когда появился русский стиль?
С начала пятидесятых годов XIX века в России резко возрос интерес ко всему национальному, русскому. Толчком послужило снятие запрета на строительство домов по свободным проектам. Специальным распоряжением правительства в 1858 году разрешалось возводить постройки, в которых не копировались установленные образцы. Сразу же во многих городах страны — Томске, Иркутске, Тамбове — появляются целые улицы, состоящие из домов, построенных на основе традиционной русской архитектуры. Новые сооружения напоминали терема и крестьянские избы.
Окончательное утверждение русского стиля произошло на двух промышленных выставках, состоявшихся в Москве и Петербурге в 1877 году, которые были приурочены к 40-летию со дня гибели А. С. Пушкина. На выставках было представлено множество проектов, где использовались элементы древнерусской архитектуры, применялись древние, традиционно народные приемы внутренней отделки зданий. Представленные на выставках образцы мебели, домашней утвари и внутреннего убранства зданий (изразцы, резные изделия) стали тиражироваться на многочисленных предприятиях. Они определили новый облик зданий различного назначения, которые на протяжении последующих двадцати пяти лет строились по всей России. Своеобразной эмблемой русского стиля становятся две постройки — храм Христа Спасителя, строительство которого было завершено в 1883 году, и храм Воскресения-на-крови (Спас-на-крови), построенный в Петербурге в 1882–1884 годах. Оформленные в русском стиле строения определили впоследствии художественный облик целых районов.
Во время выставок впервые заявили о себе архитекторы В. Гартман, В. Каминский, И. Монигетти, М. Преображенский, В. Шервуд, которые выступили за возвращение архитектуры к древнерусским традициям.
После закрытия выставок в Москве и Петербурге было организовано три музея, в которых разместили экспонаты, демонстрировавшиеся на выставках. Эти экспозиции стали хранилищами образцов, на которые в последующие годы ориентировались многие архитекторы и художники.
Впервые в русской культуре произведения народных мастеров стали фактом искусства, определившим развитие общественного вкуса.
Традиционные элементы русского зодчества проникают в театрально-декорационное искусство, книжную графику, станковую живопись, музыку. Восстанавливаются и такие приемы в наружной отделке зданий, как цветная изразцовая мозаика и яркая роспись. На фасадах зданий появляются резные украшения, на крышах — башенки, стены и балюстрады. Они придают постройкам неповторимость и праздничность.
Во время Парижской выставки 1880 года в оформлении павильонов России преобладает русский стиль. К концу XIX — началу XX века он доминирует в живописи, графике и театральном искусстве.
По степени распространенности с ним не может сравниться ни одно другое художественное направление.
Что такое русский модерн?
В начале XX века русский стиль постепенно переходит в так называемый русский модерн. Архитекторы и художники пытаются соединить традиционные русские элементы и стилевые особенности пришедшего в Россию стиля модерн. В результате получается своеобразное стилевое сочетание, определившее лицо русского искусства первых двух десятилетий XX века.
Как и русский стиль, русский модерн впервые заявил о себе на художественных выставках. Ряд павильонов, построенных по эскизам художника К. Коровина на Всероссийской выставке в Нижнем Новгороде и Всемирной выставке в Париже, ансамбль «Россия» архитектора Ф. Шехтеля на выставке в Глазго были выполнены в новой архитектурной манере.
В отличие от прошлых лет, новый стиль был представлен не только постройками, но и деталями интерьера, мебелью и домашней утварью. Шкафы, кресла, лавки, выполненные по эскизам художников В. Васнецова, К. Коровина, Е. Поленовой, были раскуплены уже в первые дни выставки.
Художники отказались от слепого копирования предметов далекого прошлого. Они взяли лишь то, что легко можно было приспособить к новым условиям жизни. Традиционная шатровая кровля стала использоваться в постройках самого различного назначения: вокзалах, административных зданиях, жилых домах. Стрельчатые окна, украшенные современными цветными витражами, придавали помещениям нарядный вид.
Прошло лишь несколько лет после закрытия выставок, на которых были представлены произведения русских художников, работавших в стиле модерн, а производители начали предлагать предметы домашнего обихода, выполненные по их образцам. В этих изделиях удивительно сочетались древнерусские элементы и приемы стиля модерн. Например, спинки треугольных круглых и даже шестигранных стульев напоминали донца старинных прялок.
Одновременно с выпуском бытовых товаров шли поиски новых образцов. С. Морозов способствовал открытию Кустарного музея, сотрудники которого и начали поиски оригинальных вещей. Они организовали серию экспедиций в различные районы России. Собранные предметы материального быта стали основой для разработки новых художественных изделий.
Постепенно новый стиль входил в повседневную жизнь.
Что такое китч?
В переводе с немецкого слово «китч» означает «халтура, дурной вкус», «дешевый предмет». Уже в переводе понятия заключена оценка: речь идет о кричащем и безвкусном произведении искусства, которое только претендует на эстетическую ценность. Так, старую мебель могли перекрасить и выдать за новую. Причем подбирались крикливые, вычурные цвета, злоупотребляли украшениями, допускалась подделка под дорогие материалы.
Впервые китчевая продукция появилась в период промышленной революции XVIII–XIX веков. Она предназначалась для людей с «неразвитыми вкусами». Тогда резко обозначились социальные различия между разными слоями общества, и наметился контраст между предметами, предназначавшимися для той или иной части общества. Некоторые люди могли воспринимать и ценить высокое искусство иконописи, другие довольствовались дешевой печатной картинкой с религиозным сюжетом.
Появление китча объясняется конкретными социальными причинами: художники приспосабливались к вкусам широких масс людей. Поэтому происходит снижение требовательности к собственному творчеству, красота сменяется красивостью, трагедия — мелодрамой.
Китч возникает в определенных исторических условиях, в переломные периоды, когда происходит поиск новых приемов изобразительности. Прежнее кажется устаревшим, его стремятся модернизировать и зачастую утрачивают чувство меры.
При этом создатели китча не стремятся быть оригинальными и самобытными, они не открывают нового, поскольку это требует некоторых усилий восприятия.
Со временем установилось два значения понятия «китч». С одной стороны, оно стало обозначать дешевые поделки массового спроса, наполняющие улицы городов, скажем, в канун Нового года (бесчисленные изображения очередного талисмана). Иногда так называют произведение искусства, лишенное вкуса.
Китчем также называют один из приемов изобразительного искусства, когда имитируется подделка под дурной вкус. Художники используют его для своеобразного самоутверждения каких-либо идей. Так, в начале XX века в творчестве представителей «Бубнового валета» мы встречаем нарочитую «лубочность».
После войны китчевые приемы стали использовать представители поп-арта, затеявшие своеобразную игру с предметами и мотивами массового искусства. Ведь предполагалось, что они создают дешевое, массовое, остроумное и трюковое и в то же время легко забываемое искусство. Для таких художников оказываются одинаково равнозначными Леонардо да Винчи и Микки Маус.
К китчу в 1970-е годы обращаются представители поп-культуры и некоторые направления постмодернизма. В духе китча постоянно работает американский художник Джефф Куне. Из русских художников наиболее известен К. Васильев. Иногда говорят о китчевом характере творчества А. Шилова.
Именно в шестидесятые-семидесятые годы начинает складываться третье значение китча — «буржуазная массовая культура». Присутствие его в шоу-бизнесе обнаруживается, прежде всего, в эпатажных вычурных сценических костюмах.
Не случайно говорят о Филиппе Киркорове как об артисте, который любит подавать себя наподобие новогодней елки. Но подобное пристрастие к золотой и блестящей мишуре является даже знаковым для данного типа артиста. Вместе с тем всевозможные аксессуары сразу же подхватываются и считаются модными.
Китч становится квинтэссенцией массовой культуры, в нем используются готовые клише, относящиеся к разным эпохам и стилям. Поэтому некоторые исследователи склонны считать, что стилизация содержит в себе элементы китча (например, изделия ар деко).
Практически последние находки в моде являются китчевыми: разрешается смешивать разные ткани (тонкие прозрачные и шерстяные), надевать изделия на голое тело.
Что такое маньеризм?
Маньеризмом называется течение в итальянском искусстве XVI века. Название происходит от итальянского слова «маньера» — прием, манера. На русский язык оно также может быть переведено как способ выражения возможностей конкретного художника, привлекающего внимание зрителя манерностью, искусственностью произведения.
Первым крупным представителем маньеризма считается итальянский художник Я. Понтормо. Он придавал своим персонажам излишнюю отточенность линий и поз. На картине «Мадонна с младенцем» Понтормо изображает молодую женщину с несколько удлиненной шеей, которая держит на руках раскормленного и жизнерадостного ребенка, достигая тем самых обратного эффекта — трагичности бытия. Ведь зритель невольно должен был дорисовать в своем воображении картину, завершив ее распятием.