Это выдающееся произведение демонстрирует совершенство художественного исполнения: четкость, органичность и ясность пирамидальной композиции, а также изобретение Леонардо, «сфуматто», – легкие прозрачные тени на щеках, в углах глаз и губ, придающие очертаниям некоторую размытость. Художник стремится сделать образ более величественным, поэтому сокращает количество деталей, его рисунок и цвет необычайно лаконичны.
Мона Лиза (Джоконда)
1503. Лувр, Париж
Мона Лиза с легкой улыбкой смотрит на зрителя, и ее глаза словно следуют за каждым, кто находится перед картиной, – в этом кроется одна из причин магической притягательности образа, созданного великим мастером. Лицо Джоконды окутано мягкими тающими тенями; залегая в углах глаз и губ, они создают впечатление улыбки, постоянно меняющей выражение в зависимости от того, как падает свет на картину. Леонардо да Винчи использует здесь прием, найденный в эпоху Возрождения и не знакомый средневековью: показ человека «с горы», то есть сверху и вдаль, к горизонту, на расстилающийся у ног пейзаж – это точка зрения господства. Таким соотношением между человеком и пейзажем он точно выражает формулу той эпохи: человек – «венец всех созданий природы».
С середины XVI века утвердилось мнение, что Леонардо изобразил жену флорентийского купца Мону Лизу, однако в настоящее время специалисты сомневаются, что луврский портрет действительно тот, над которым художник работал во Флоренции в 1503 году, и называют более 60 имен предполагаемой модели.
Микеланджело (1475–1564)
Сикстинская капелла
Фреска. 1508–1512. Общий вид росписи потолка. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
В 1508 году Микеланджело Буонарроти по приглашению папы Юлия II прибыл в Рим для выполнения росписей потолка Сикстинской капеллы. Первоначальный замысел предполагал изображение лишь 12 апостолов, но художник не согласился с этим проек том, и ему предоставили полную свободу действий. Он расписал весь свод площадью около 600 кв. м.: на плафоне 9 сцен из Ветхого Завета, от сотворения мира до истории Ноя, а в угловых парусах еще четыре сюжета – «Давид и Голиаф», «Юдифь и Олоферн», «Казнь Амана» и «Медный змий». Микеланджело работал над фресками в течение нескольких лет, один, лежа на спине на специально изготовленном помосте. При этом он работал в технике чистой фрески, то есть писал по сырой штукатурке, что требовало быстроты исполнения и исключало переделки. Он столько времени провел с запрокинутой головой, что после окончания работы много дней с трудом мог наклонять голову.
Сотворение Адама
Фреска. 1508–1512. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
Это одна из самых известных сцен Сикстинской капеллы. Седовласый Бог Отец стремительно рассекает пространство и, кажется, вот-вот коснется простертой к нему руки Адама и вольет в прекрасное, но слабое тело первого человека жизненные силы. Бог у Микеланджело предстает как гигантский творческий импульс, который вносит порядок в хаос, подчиняет мир законам разума и гармонии.
Грехопадение и изгнание из рая
Фреска. 1508–1512. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
Сцены «Грехопадения» и «Изгнания из Рая» разделены могучим деревом. Художник сосредоточил внимание не на сюжете, а на эмоциях героев. Если в первой части Ева изображена спокойной и не осознающей всю тяжесть нарушения запрета, то в «Изгнании из Рая» она глубоко несчастна и испугана. Примечательно, что Микеланджело не возлагал вину за грехопадение только на женщину – мы видим, как Адам тянется к запретному плоду Дерева познания добра и зла.
Святое семейство (Тондо Дони)
1504. Галерея Уффици, Флоренция
Микеланджело прославился как великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Во всем, что он создавал, ощутима титаническая мощь. Именно к нему применимо определение «титан Возрождения». «Святое семейство» – единственная станковая работа Микеланджело. Фигуры Девы Марии, Иосифа и Младенца Христа наполнены необыкновенной пластичностью и напряженной энергией движения. Создается впечатление, что Мария поворачивается внутри стеклянного шара, и эта подвижность усиливает скульптурный объем фигурной группы.
Картина была исполнена к свадьбе Аньоло Дони, богатого флорентийского купца, с Маддаленой Строцци, герб которой вырезан на раме.
Страшный суд
Фреска. 1536–1541. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
Микеланджело изобразил гнев Христа на человечество, которое оказалось не таким, каким задумывалось. Даже Богоматерь – заступница людей перед Богом, отказывается помогать им, она отвернулась от грешников и не хочет слушать их просьб. Христос, вершащий суд, изображен грозным и беспощадным судией. Вскинутой правой рукой он возносит праведников, движением левой – неумолимо отправляет грешников в ад. Обилие атлетически сложенных обнаженных тел показалось папе Павлу IV «непристойным» и он велел художнику дописать одежду, но получил отказ. Фреска была дописана Даниеле да Вольтерра, учеником Микеланджело, прикрывшим наготу нескольких фигур.
Рафаэль (1483–1520)
Донна велата (дама под покрывалом)
Ок. 1516. Палаццо Питти, Флоренция
Недолгая творческая жизнь Рафаэля целиком принадлежит короткой поре Высокого Возрождения. Его творения отмечены гармонией, ясностью построения, безмятежностью. «Донна велата» (ит. Velata – покрытая покрывалом, от il velo – покрывало) – один из самых поэтичных женских образов, созданных Рафаэлем. Покрывало является знаком заму жнего положения женщины, а правая рука, прижатая к груди, – супружеской верности. Роскошное платье оттеняет красоту молодой итальянки. В ней есть то величие и одновременно сдержанность, без которых немыслим портрет эпохи Возрождения. Тщательно взвешены каждая деталь, каждая линия и цветовое соотношение, в их согласии заключен секрет счастливой гармонии и равновесия картины.
Ни в одном другом произведении у Рафаэля не раскрывалось такое тонкое дарование колориста: оттенки белого, золотисто-желтого и коричневого цветов складываются в парадную и вместе с тем мягкую цветовую гамму.
Мадонна в зелени
1506. Музей истории искусства, Вена
Неповторимость личности Рафаэля и своеобразие его творческой индивидуальности отчетливее всего проявились в произведениях, посвященных Мадонне с Младенцем. В этих работах нашли отражение свойственные художнику внутреннее изящество и утонченность, мягкость натуры и глубина чувств. Этот сюжет давал возможность выразить главную тему его творчества – всеобъемлющую гармонию в отношениях между людьми, между человеком и окружающим его миром. Мадонны Рафаэля наделены не только красотой духовной, но и физической.
Сикстинская мадонна
1514. Картинная галерея, Дрезден
«Сикстинская Мадонна» принадлежит к числу высших достижений мирового искусства. Существует предание, что этот образ Рафаэль увидел во сне – он возник как чудесное видение, и художник сумел передать то экстатическое состояние, которое пережил сам. В произведении все доведено до предельной простоты, но гений Рафаэля сделал эту простоту многозначной. Дева Мария одновременно величественна и беззащитна; она идет по облакам навстречу людям и стоит; по-матерински нежно прижимает к себе сына и отдает его людям, зная о той судьбе, которая его ожидает.
Афинская школа
Фреска. 1510–1511. Станца делла Сеньятура, Ватикан, Рим
В «Афинской школе» Рафаэль изображает философов и ученых разных эпох в процессе интеллектуальной работы. Мыслители излагают друг другу теории, совместно разрабатывают научные задачи, спорят, как, например, Платон и Аристотель, изображенные в центре композиции. Ведь только общими усилиями, только в споре, в столкновении различных точек зрения рождается истина. В пространстве фрески Рафаэль разместил 58 человек, но это не безликая толпа. Здесь каждый персонаж подчеркнуто индивидуален, ни одна поза и жест не повторяются. Для решения столь сложной задачи Рафаэль находит гениальный прием: он размещает фигуры на лестнице, так что они не заслоняют друг друга и четко обозначены.
Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси
1517. Галерея Уффици, Флоренция
Здесь Рафаэль добился такой иллюзии реальности, что, по словам Федерико Цуккари, начальник папской канцелярии Бальдассаре Турини однажды с величайшим почтением поднес буллу на подпись не Льву Х, а его изображению.
Лев Х, большой любитель и знаток искусств, коллекционер, изображен не только главой Церкви, но и просвещенным человеком. В руках его лупа, на столе – колокольчик редкой работы, демонстрирующий любовь папы к произведениям искусства. Рядом лежит рукописная книга. Она написана с такой виртуозной скрупулезностью, что можно с уверенностью сказать – это Библия Гамильтона.
Россо Фьорентино (1494–1540)
Снятие с креста
1521. Городская пинакотека, Вольтерра
Россо Фьорентино (Рыжий Флорентиец, так прозвали художника Джованни Баттиста ди Якопо) был одним из основоположников флорентийского маньеризма, стиля, отошедшего от стандартов классического ренессансного искусства и обратившегося к смелым экспериментам в области изобразительного языка.
Наряду с картиной Якопо Понтормо на эту же тему, данная работа стала художественным манифестом маньеризма. В ней нашли отражение все новые изобразительные приемы стиля – экзальтация мимики и жестов персонажей, цветовые диссонансы и как следствие нарушение колористического единства, отход от классического понимания композиции и пространства. Одно из важных достижений маньеристов заключалось в виртуозном мастерстве владения кистью, что порождало работы исключительной красоты.
Якопо Понтормо (1494–1557)
Снятие с креста
1525–1528. Церковь Санта-Феличита, Флоренция
Являясь одним из основоположников маньеризма, Понтормо в лучших своих произведениях выступает как смелый искатель новых путей.
В отличие от произведений Рафаэля, проникнутых возвышенно-торжественными интонациями, «Снятие с креста» отличает безудержная эмоциональность духовного облика персонажей, внутреннее напряженное беспокойство, выраженное в их движениях и жестах, и причудливый колорит, в основе которого лежит высветленная гамма холодных, резких цветов.
Аньоло Бронзино (1503–1572)
Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни
1544–1545. Галерея Уффици, Флоренция
Бронзино, представитель зрелого флорентийского маньеризма, придворный художник Козимо I Медичи, стал одним из создателей маньеристического парадного портрета, в котором нашли отражение аристократическое изящество, высокомерие и пышная роскошь придворной культуры того времени.
В знаменитом портрете Элеоноры Толедской, супруги Козимо I, Бронзино великолепно выстраивает репрезентативную композицию. Он немного приподнимает фигуру Элеоноры, вводит аксессуары, подчеркивающие ее сословное положение, придает ее образу торжественную бесстрастность и чопорную элегантность и при этом – убедительное портретное сходство.
Пармиджанино (1503–1540)
Мадонна с длинной шеей
Ок. 1535. Галерея Уффици, Флоренция
Пармиджанино был одним из самых изысканных художников эпохи маньеризма – времени, когда искусство не стремилось открывать красоту в реальности, а находило ее в экстраординарном, эксцентричном.
В самой известной картине Пармиджанино, «главном произведении маньеризма» (Вазари), воплощен холод ный и отвлеченный образ неземного изящества.
Художники-маньеристы в пропорциях фигур отдавали предпочтение выразительности. Здесь главный выразительный элемент заключен в изящном удлинении фигуры Мадонны, особенно живописен лебединый изгиб ее длинной шеи. Изысканная Мария с поразительной легкостью удерживает на коленях светоносное тело Младенца. Слева ангел демонстрирует хрустальный сосуд, в котором сияет крест – символ уготованной Христу судьбы. Справа, в почти метафизическом пространстве, образованном ничего не поддерживающей колонной, художник размещает несоразмерно маленькую фигурку св. Иеронима.
Джорджоне (1477/1478–1510)
Гроза
Между 1506 и 1510. Галерея Академии, Венеция
Идиллия на лоне природы становится излюбленной темой картин Джорджоне, в его полотнах человек и природа воспринимаются как порождение единого гармоничного начала, а пейзаж получает равноправную с персонажами роль – он уже не фон, не арена действия, а главный носитель эмоциональной темы живописного произведения.
На переднем плане «Грозы» царит покой и гармония: между персонажами нет драматического действия, люди и окружающая их природа безмятежны. На заднем же плане сверкает молния – это первое в истории европейского искусства изображение подобного состояния природы. Вскоре оно станет излюбленным у венецианских живописцев средством повышения драматизма картины.
Юдифь
До 1504. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
В XVI веке Венеция становится последним оплотом ренессансной культуры. На раннем этапе Высокого Возрождения первое место среди мастеров Венеции принадлежало Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, прозванного Джорджоне. Именно с него начинается расцвет венецианской школы живописи, которая поднимается до уровня, сопоставимого по художественным достижениям с Римом и Флоренцией.
Картина написана на сюжет из Ветхого Завета. Во время осады города ассирийцами молодая горожанка Юдифь пришла во вражеский стан. Красотой и умом она очаровала предводителя Олоферна и после пира его же мечом отрубила ему голову; войска ассирийцев покинули город. Джорджоне предлагает свою трактовку популярного сюжета. Здесь нет живописного рассказа о событии, о произошедшем говорит лишь поза Юдифи – девушка поставила ногу на голову поверженного врага (эта поза победителя заимствована из искусства Древнего Рима). Сама Юдифь полна женственной мягкости и погружена в глубокую задумчивость. Некоторые исследователи полагают, что Джорджоне наделил Олоферна портретными чертами – художник никогда не подписывал свои картины и таким образом обозначил свое авторство.
Спящая Венера
Ок. 1508. Картинная галерея, Дрезден
Джорджоне обычно не делал предварительных набросков и эскизов для своих картин, а сразу писал красками. Он работал совсем недолго, всего 10–12 лет, и в 32 года умер от чумы. Некоторые из его картин остались незаконченными.
«Спящая Венера», самое прославленное произведение Джорджоне (картину заканчивал его ученик Тициан), продолжает тему «Грозы», но является более совершенным по исполнению. Художник изображает Венеру погруженной в сон, что позволяет обезличить героиню и тем самым наиболее полно объединить человеческую фигуру с прекрасным поэтическим пейзажем, охристые тона которого перекликаются с теплым сиянием золотистого тела богини. Человек здесь предстает как явление природы, как ее часть, но в отличие от «Грозы» он увенчивает природу как самое совершенное из ее творений.
Тициан (1476/1477 или 1488/1490–1576)
Динарий кесаря
1516–1518. Картинная галерея, Дрезден
Картина была заказана феррарским герцогом Альфонсо д’Эсте. Политическая мораль этой евангельской притчи о споре Иисуса Христа с фарисеями сводилась к признанию независимости светской власти от церковной. Слова «отдавайте кесарю кесарево, а Богу Богово» для герцога, боровшегося с папским престолом, были знаковыми.
Однако смысл картины гораздо шире: художник показывает столкновение живых человеческих характеров в момент сильного психологического конфликта. Образ Христа несет в себе всю полноту возвышенных идеалов Ренессанса, он идеально-прекрасен. Фарисей воплощает самые низменные черты человеческой природы: корысти, лицемерия. Сталкивая Христа и фарисея лицом к лицу, Тициан, однако, избегает резкой прямолинейности в изображении их «поединка», переданного при помощи цвета и света.