«В современной музыке мне часто не хватает виртуозных каденций. Установка на среднего исполнителя рождает усредненную фактуру. А у таких мастеров как Бетховен, каденционные переходы управляют дыханием формы, стоит лишь переслушать к примеру финал 3-го фортепианного концерта»
«Переделывать всегда сложнее, чем писать новую музыку. Переделка требует большего мастерства, владения ремеслом, так как подразумевает решение конкретной творческой задачи. Если композитор упирается, не хочет менять ни одной своей ноты ни по просьбе исполнителя или режиссера, это делает честь его эго упрямству, но не профессионализму. Любая композиторская задача имеет бесконечное количество вариантов решения, и только лентяй останавливается, не хочет искать дальше. Обычно это выражается такой фразой: Я так слышу. На этом занавес, аплодисменты принципиальному автору. Правда звучать они будут в пустом зале:))»
«Конфликт хороший творческий импульс. В этом кроется ответ почему профессиональные композиторы иногда весьма сложные в общении люди. Раздражение трансформируется в сюиту, интрига в вокальный цикл, а борьба с вселенским злом в симфонию:)) Главное не потеряться, не перепутать, где творчество а где реальная жизнь»
«Когда меня спрашивают с какого жанра стоит начинать осваивать искусство аранжировки, я не задумываясь называю вальс. В нем есть все ритм секция без которой не срастётся характерная вращающаяся кружащая пульсация; парящая мелодическая функция требующая тонкого чутья в выборе комплекса инструментов, исходя из характера мелодии; бас не выпирающий, но в тоже время уверенный, объемный; гармоническая чуйка нет ничего хуже вальсов с школьным набором гармонических прогрессий. И конечно гениальные референсы от Глинки, Штрауса до Прокофьева, Свиридова, Дога, Андрея Петрова, Дарио Маринелли. Вальс выручит всегда и в симфонической сюите, и в театре, и в кино. Вечный жанр»
«Хорошая музыкальная мысль требует правильного оформления. Без артикуляции, агогики, подробной динамики, точно выписанных указаний исполнителю при использовании новых приемов и расширенных техник ничего не выйдет, ни в ансамблевой, ни особенно в оркестровой музыке. Счастливые исключения Айвз например, только подтверждают правило. Для меня золотой серединой подробности оформления нотного текста является Густав Малер. Все на своих местах, при этом без фанатизма как у Брайана Джона Питера Фёрнихоу:))»
«При сочинении контрапункта к мелодии в песне, в инструментальной пьесе надо стремиться написать ещё одного персонажа яркого, интересного, психологически-эмоционально совместимого:)) По сути мелодию надо выдать замуж. Особенно любят и умеют сочинять контрапункты профессиональные аранжировщики, на этой территории они становятся полноценными соавторами композиторов, авторов мелодической идеи. Творческая кровь смешивается и Был композитор и аранжировщик, а стало два композитора соавтора.»
«Вуальная линия в музыкальной фактуре действенный прием, когда количество нот, в мелодической, гармонической или даже басовой функции по вертикали, варьируется. Вуальная линия становится толще больше нот, или Уже одна нота, в зависимости от характера музыкальной фразы, задуманной композитором. Прием позволяющий добиться иллюзии динамических и тембральных изменений, оставляя их неизменными.»
«Сегодня многие композиторы выбирают курс на безэмоциональную музыкальную эстетику. Я уважаю их выбор, но вижу в этой традиции определенные риски. Во-первых искусственный интеллект AI в этой эстетике скоро будет вне конкуренции, так как отсутствует критерий эмоционального воздействия на слушателя. На первый план выдвигается красота концепта и его реализация. А во-вторых часто за этим выбором слушатель зритель, начинает искать творческое бессилие, как говорится эмоциональная шкала у этого автора, как у стула. Ну и в третьих, полная безэмоциональность музыки недостижима, так как в конечном итоге окрашивается эмоциональным восприятием слушателя.»
«Сегодняшнее время эпоха малых форм в музыке. Темп жизни настолько велик, что создание музыкального произведения продолжительностью более 1520 минут, способного полноценно увлечь слушателя, погрузить в иную реальность, становится сверхсложной задачей. Отсюда трагедия безысходности конец времени композиторов. Дело не в конце, а в выросших требованиях по отношению к серьезной музыке. Чаще авторам просто не хватает таланта и владения ремеслом, чтобы удержать внимание слушателя. Так что стоит начинать с миниатюр 23 минуты прекрасный формат для современной пьесы, даже если не получилось на композитора никто не обидется:)) А вот 50 минут неуправляемого потока сознания это потерянный вечер, беда, могут и поколотить»
«Выбор темпа что может быть проще? Но на деле в партитурах молодых авторов нет метронома, как правило темп завышен особенно критично в вокальной музыке, метрические модуляции не выписаны. Очевидные же вещи Allegro в 1821 веках разные темпы, а значит разная музыка. Так же как существует цветной слух на тональности, гармонические сонорные сочетания, так и чуйка на выбор темпа для композитора чрезвычайно важна, ее надо развивать. В практике работы на компьютере приходиться обращать на эту проблему особенно пристальное внимание детально прорисовыввть агогику, находить актуальный BPM. И пусть вас не пугают значения BPM 121,5, BPM 144,3 и т.д.. Это дыхание Вашей музыки и оно не может быть стирильно ровным Как мы знаем ровный пульс у мертвеца или робота:))»
«Контрастная драматургия в музыкальном произведении самый действенный способ захватить внимание слушателя. Динамический, жанровый, стилевой, тембральный контраст позволяет рассказать музыкальную историю, полную коллизий и неожиданных поворотов. Легко сказать сложнее сделать. Каждый из драматических поворотов надо обыграть, сделать органичным, присвоить, поставить свою авторскую подпись, иначе произведение превращается в нарезку эмоциональных пазлов. И здесь конечно преимущество у профессиональных композиторов эрудитов академический подход, знание классики даёт бесконечное количество драматических инвариантов, комбинируя которые можно найти верное направление. Любителям сложнее, они как правило мастера одной краски»
«Микрохроматика действенный прием преодоления традиционно стандартного звучания даже бытовой, простейшей интонации. При умелом использовании придает вневременной характер звучания музыкальной фразе, путая слушателя: то ли это отголосок индийской раги, античной трагедии или постцифровой программинг (авторский термин пересочинение композитором стохастической композиционной модели, созданной на компьютере по определенному алгоритму). Микрохроматика лучше работает в прозрачной фактуре в пианиссимо. Волшебству четверть бемолей диезов нужно пространство:))»
«У каждого композитора со временем свои отношения кто-то мыслит тактами, кто-то актами, кто-то в масштабе секунды минуты часы. Самое главное успевать записывать, само сочинение музыки, когда ты в потоке совсем не отнимает времени. Основной тормоз внятная фиксация идей в нотном тексте. Процесс сочинения непрерывен, поэтому каждый раз думаешь набирая коллегу по телефону, может быть не стоит? А вдруг он сочиняет новую симфонию, собьешь с мысли шедевр и не сложится:))?»
«Современный вокальный речитатив тема для композитора весьма актуальная, а порой и загадочная. Путаницу вносят сами же авторы стоит почитать предисловие Шёнберга к Лунному Пьеро про речевую мелодию, которая не должна напоминать пение или естественную речь, и при этом содержать различия между певческим и речевым звуком. Прочитаешь попробуешь, и сразу чувствуешь себя клоуном в театре абсурда. Думаю лучший вариант поставить в нотах пометку речитатив и уделить время творческой работе с исполнителем, поискать манеру, технику исполнения, сделать запись. Эта первая аудио-видео запись, спродюсированная самим автором, и будет лучшим предисловием комментарием для будущих исполнителей Вашего шедевра:))»
«Нет ничего хуже незаконченной музыки, брошенной музыкальной идеи. Особенно когда она хорошая. Все равно что рассказать половину анекдота всех заинтриговал, но никто не рассмеялся. Не бросайте своих музыкальных детей, уважаемые композиторы, будьте ответственными родителями:))»
«Искусство изящного перехода от одной музыкальной мысли к другой и есть основа владения музыкальной формой. Предыкты, связующие части, каденции, вступления без них музыкальная речь теряет связность. Здесь главное чувствовать дыхание формы, напряжение расслабление, вдох выдох, и научиться себя сдерживать не перегружать информацией связующий раздел помнить что это лишь портал для перемещения из мира одной музыкальной идеи в другой:)) Для меня источником вдохновения в области формы остаются сонаты и симфонии Бетховена и Гайдна, первый в качестве сбалансированной идеальной системы соотношения частей, второй свободы внутри системы.»